José Luís Peixoto

Bajo esta idea principal, abrimos el evento con una breve proyección de imágenes y videos sobre José Luís Peixoto, en la que introdujimos desde el inicio la voz del mismo Peixoto recitando sus versos. “Siempre es un placer poder escuchar a los poetas darles voz a sus creaciones”, me apuntó Ovia Herbert. Y así, bajo el silencio del público de la sala al comienzo de la proyección, llegaron a los oídos de todos, con la voz del poeta y en español, las palabras de uno de los poemas más afamados de Peixoto: “A la hora de poner la mesa…”, del que Donarond destacó “la sencillez expresiva con que pone de manifiesto la sensibilidad familiar, rehuyendo las sensiblerías”. Aún aguardaba una sorpresa mayor al público que, en parte madrileño, con gran atención escuchó al poeta recitar en portugués aqul “Madrid regressará sempre… Eu e Madrid Madrid não nos conhecemos bem. Sabemos o essencial e inventamos tudo o resto. Tanto a minha vida, como a vida de Madrid, já tiveram muitas formas”. Era necesario que este poema surgiera en la velada cuando era en Madrid el homenaje al poeta. Era necesario también porque, como auténtico madrileño y organizador, trato de no pasar por alto a mi ciudad como tema artístico o literario cuando lo encuentro. Y en el momento comenté algo conocido por todos y es la idea de que en la identificación que el poeta realiza con Madrid está el reflejo de una verdad insondable de la ciudad: nadie se siente extraño aquí, sino extrañado por no serlo. Y así, de la proyección sólo quedaba un elemento más que diera ya pie a los comentarios de los invitados, como era escuchar a Peixoto recitar el santo y seña de su arte poética: “la letra p no es la primera letra de la palabra poema, poema no se lee poema, se lee pan o flor, se lee hierba”.

Hubo unanimidad en cuanto al estilo sencillo e íntimo de los versos libres, y la evidente musicalidad del portugués, punto esencial a la hora de escuchar los poemas recitados por Peixoto en la lengua de origen. Se destacó el fondo familiar que escuchamos tanto en “A la hora de poner la mesa…” como en otro que recité yo para acentuar más esta temática, “Palabras para mi madre”, en el que, según Donarond, “se contenía el hecho cotidiano de amar sin tener que escribir o decirlo, sobre todo respecto de los padres o hermanos, reservando las palabras para aquéllos a los que amamos después en el mundo”. Aprovechando que salía a relucir el tema del amor, junto a la muerte, temas que son piedra angular en la poesía de Peixoto, se recitó otro poema de gran valía, titulado “Este libro”, en el que tanto Ovia Herbert como yo subrayamos la facilidad con que el poeta lograba la metamorfosis de ser libro y página, y llevar a la amada a besar el papel para culminar el encuentro amoroso. ¿Es el poeta el verso, la página, el libro, o está justo detrás y besa a través de ellos? Nos planteamos la pregunta sin hallar respuesta, para terminar, con sentido del humor, en los versos del propio poema: “no me preguntes nada. Yo no sé responder a todas las preguntas del mundo”, señaló Donarond, intervención que abrió la puerta de la reflexión poética en que hube de sumergirme durante unos minutos. El arte poética mencionado me empujó hacia uno de mis temas favoritos, metalingüístico, nietzscheano, y que también estaba presente en los poemas de Peixoto: la lucha y superación de la palabra, la vuelta al mundo de la experiencia con la palabra como metáfora de la vivencia, frente a la retirada hacia el mundo conceptual de la palabra, hacia el sistematismo que todo lo ordena y etiqueta, como bien leímos a propósito de ello en el poema “Todo será ordenado”. Al fin y al cabo, sostenía Nietzsche, las palabras son una serie de sonidos más o menos arbitrarios que usamos para sustituir una realidad; al fin y al cabo, dice Peixoto: “el poema no tiene más que la sonoridad de su sentido”.

Al finalizar el evento, Herbert, Donarond y yo vimos rostros satisfechos que declaraban el éxito de aquella tertulia: el público marchaba, efectivamente, con Peixoto en su interior, con sus versos en los labios, y con el sonido, ese fundamental sonido del poema, recorriendo el camino que va desde los oídos, bien a la cabeza, o bien al corazón. Yo me quedé con mi pequeño discurso filosófico y la extraordinaria sensación de haber acercado con Peixoto un poco más Portugal hacia España, y más concretamente hacia Madrid.

de Fabianni Belemuski

F.B. ¿Hay herencia artística de Baba en Craiova?

F.R. A lo largo de su vida, los museos de Rumanía compraron pocos trabajos del artista, el hecho parece increíble hoy pero hay que tener en cuenta de que su primer exposición importante fue en el año 1987, que los museos tenían poco presupuest

o para compra y que tampoco pudieron entrar en contacto director co

n la gran obra de Corneliu Baba. Pero, Craiova tuvo una oportunidad porque fue aquí donde nació Corneliu Baba.

F.B.¿Qué nos puede decir sobre el entorno familiar y los años que Corneliu Baba pasó en Craiova?

F.R. Su padre había llegado a Craiova alrededor del 1890 y trabajó primero en un taller fotográfico, haciendo intervenciones en acuarela.  Su padre había estudiado en la Academia de Arte de Viena y luego estudió pintura religiosa en Rumanía y era reconocido en la zona de Oltenia como un pintor de iglesias. En 1905, un año antes del nacimiento de Corneliu, Gheorghe Baba ha participado en una exposición colectiva de los artistas de Craiova y por eso en la Colección del Museo de Arte de Craiova se guardan dos obras de Gheorghe Baba, uno representado un paisaje del Gran Parque de Craiova, Nicolae Romanescu, que se inauguró en 1903, siendo el mayor parque de Europa. Corneliu Baba estudió el bachillerato en Craiova, en el Colegio Carol I, colegio que había sido inaugurado en el 1826 y en el cual han estudiado grandes personalidades de la pintura rumana como: Teodor Aman, el primer gran pintor clásico rumano, Eustatiu Stoenescu, Jean Nitescu y más tarde Ion Tuculescu. Las clases de dibujo eran impartidas por un talentoso profesor y pintor Eugen Ciolac.

F.B. Se habla mucho del acercamiento entre la obra de Goya y de Corneliu Baba, como representantes del Expresionismo…

F.R. En primer lugar quisiera  hacer una separación clara entre el termino de pintor, escultor y el de artista. El artista es una personalidad con una grande visión que nace de un ejercicio existencial. El artista, a diferencia del pintor o del escultor, se plantea las preguntas existenciales. Por eso, este acercamiento a Goya lo encontramos en este modo de ver la vida. Haber vivido en períodos de grandes transformaciones y cambios es algo que acerca a los dos artistas. No hay que olvidar que Corneliu Baba había acabado los estudios de la Facultad de Filosofía antes de iniciar los de Pintura, él posee un lenguaje elevado al escribir: “nosotros ni siquiera nos damos cuenta de que de hecho estamos luchando contra dios. Este es nuestro oficio, justamente por eso es divino.” Este es de hecho el gran problema de los creadores que están conscientes de los límites de la existencia. El artista siendo él mismo un creador, se halla en lucha con los límites impuestos por la divinidad y los límites del conocimiento. Por eso decía que Corneliu Baba es una conciencia artística, en el mismo modo que Goya también lo es por su manera de reaccionar ante la ocupación francesa.

La manera de ejecución de los cuadros de Corneliu Baba hasta alrededor del 1980 no tiene aquella fuerza específica al Expresionismo europeo, en esencia el Expresionismo europeo ha sido un retorno a los mitos esenciales y esto no ha acontecido con la obra de Corneliu Baba sino que con la obra de Ion Tuculescu. Al mismo tiempo, los expresionistas europeos han querido ser artistas totales, tanto en escultura, pintura etc pero Corneliu Baba se ha dedicado sólo a la pintura.

F.B. Corneliu Baba es reconocido como el mejor retratista de Rumanía. ¿Es verdad que su obra es fundamentalmente compuesta de retratos?

F.R. El retrato parece predominante en la obra de Corneliu Baba pero hay otros ciclos como por ejemplo los ciclos de los Arlequines o de los Locos. En la única exposición retrospectiva que ha tenido lugar en el Museo Nacional de Bellas Artes de Bucarest, en 1997, había salas enteras dedicadas a las pinturas sobre arlequines y reyes locos. Estas composiciones sobrepasan la temática del retrato y son de hecho obras existenciales. Decía Corneliu Baba en sus notas: “el rey loco está dedicado como homenaje a los millones de personas inocentes, víctimas de los dictadores y tiranos.” Ya no se trata de un retrato de una persona sino que de toda una categoría socio-humana y por eso yo los considero como composiciones y no como retratos. Corneliu Baba representa un ejemplo de conciencia artística, un artista que dedicó parte de su actividad a la joven generación,  como profesor de la Academia de Arte de Iasi y luego de Bucarest y que promovió una generación de artistas que hace 30 o 40 años eran apodados Babistas, a partir de su nombre.

El pintor Corneliu Baba nació en Craiova, el 18 de noviembre del 1906 y el Museo de su ciudad natal guarda varias obras suyas, que serán presentadas al público de Espacio Niram, Madrid.

No es una simple coincidencia que Madrid albergue este evento bicultural. Aunque hubiera podido ser considerado fuera de la moda para un pintor del siglo XX, Corneliu Baba pintaba según la tradición de los Grandes Maestros y muchos de sus retratos recuerdan de las obras de los maestros españoles, especialmente las de Francisco Goya.

Onik Sahakian

O.S. En primer lugar, conocí a (Romeo) Niram hace 2 o 3 años y me dio una energía positiva maravillosa. Después, se puso la fotografía de mi obra en la portada de la Revista Niram Art, lo que consideré un honor, y ahora me ha invitado a recibir este premio fantástico, intitulado Corneliu Baba, uno de mis pintores preferidos, y es un gran honor recibir este Premio Corneliu Baba. Ha sido todo extraordinario y estuve muy feliz. Ahora espero poder hacer algo estupendo para Niram Art, tal vez hagamos una exposición importante en Madrid, para los españoles, en relación con Dalí o otras personas. Veremos lo que sucederá.

Tengo que decir que la video-presentación ha sido realmente extraordinaria, tanto que no me lo esperaba. Realmente me dieron las lágrimas porque no me esperaba un modo de presentación tan magnífico. Ha sido muy bella y me sorprendió mucho. Todo ha sido muy bonito … dios mío..hice fotografías con 50 o 60 personas…Todo el mundo quería hacer fotografías conmigo…Fue realmente maravilloso, una noche estupenda.

N.A. ¿Conoce la Obra de Corneliu Baba?

O.S. Corneliu Baba es un artista magnifico. Me gustan mucho algunas de sus pinturas, son tan bellas: la de la mujer que plancha una camisa, o con la familia, realmente creo que es extraordinario y me he sentido tan honorado de recibir este Trofeo con su nombre. Me siento muy conmovido y afortunado por haber conocido a Niram, creo que es una persona extraordinaria, le gusta crear en el mundo del arte y también en lo que se refiere a la cultura entre pueblos. Si puedo crear algo bonito en el mundo del arte, relacionando el mundo de Niram Art y el mío, me gustaría hacerlo para crear felicidad. Porque los artistas son muy importantes para el público. Puedes mirar un cuadro y sentirte transportado en otro mundo, de misticismo, de silencio, en cualquier mundo que quieras hacer. Pinto de la manera que lo hago porque hoy en día el mundo es tan podrido y tan negativo, tantas cosas terribles pasan. A veces el arte es también así, terrible, con crímenes, sangre, tortura, violación pero yo no creo que el arte debería ser así.  Tenemos tantas cosas malas que ya están pasando en frente de nuestros ojos, ¿por qué añadir más infelicidad al mundo? También puedo pintar de un modo muy agresivo pero no me parece importante hacerlo, no me sale de mi interior, porque yo no soy así. Por eso pinto de la manera que pinto.

En lo que concierne el mundo Niram Art, creo que él ha hecho algo maravilloso, de la mejor manera y espero poder hacer algo muy interesante con él en el futuro.

N.A. ¿Tal vez una exposición o algo así?

O.S. Veremos lo que acontecerá. Si haré una exposición con Niram … eso no lo sé pero sí sé que haré un libro. Haré un libro con Niram, en español, para el público español. Trabajé en tantos sitios pero es importante para mí presentarme al público español, pasé tantos años con el mayor artista catalán, Dalí. Las personas no se dan cuenta, yo propio no me daba cuenta cuando era más joven, de lo que significaba estar cerca de  alguien como Dalí durante tantos años. Sólo se puede entender esto mucho más tarde.

N.A. ¿Encuentra alguna semejanza entre su obra y la Niram?

Niram tiene una manera muy hermosa de expresarse, una manera diferente de la mía. Somos 2 artistas completamente diferentes.

N.A. ¿Ha visto la revista?

O.S. Sí, yo estaba en la portada. Ha sido una gentileza de Niram, me he sentido bastante sorprendido. Está también en mi sitio web, se trata del Retrato de Einstein y de la pintura de Adán   “El momento antes del pecado”.

El arte, la cultura es parte de nuestras vidas. Cuando la gente tiene a veces problemas en la vida, no a veces sino que casi siempre, el arte es el único instrumento que te saca de tus problemas, por lo menos durante un breve momento. El momento del arte es muy importante y ha sido así durante centenas de años.

Lo imposible es lo imposible, lo que carece de posibilidades de darse bajo forma alguna; aún ni en representaciones mentales o conceptos. Lo imposible, por ende, no tiene un sujeto capaz de hacerlo. Escher no da realidad a lo imposible –permítanme decirlo-. La genialidad de su paleta está en la ilusión óptica y en la clarividencia de un imaginado infinito por el que se anudan imágenes, figuras, formas y fondos. Al adentrarnos en uno de estos dibujos, vemos tanto lo que en realidad se daría, como lo que la naturaleza no permite. En esto último es en lo que nos equivocamos y erróneamente venimos a llamar imposible. Si bien la naturaleza se resentiría de que existieran ciertas formas, y la lógica se encerraría en sí misma ante Escher, eso no quiere decir que el fenómeno sea imposible. En la medida en que está dibujado es concebible mental y plásticamente. Y ya sabemos que la realidad es muy otra. Si fuera imposible, Escher jamás podría haber puesto ante nosotros lo que, en verdad, ha hecho: darnos donde más duele, en el engaño óptico que por los siglos de los siglos la filosofía ha tratado de remediar con vacunas intelectuales o idealistas y racionalistas. Ahora bien, este engaño filosófico, psicológico y oftalmológico, sucede en la visión de cosas naturales y totalmente reales –existentes-. Escher, en cambio, ha ido más allá. Mientras la ilusión natural nos hace ver lo que no hay –valga como ejemplo el mítico palo quebrado bajo el agua, que no está quebrado realmente-, Escher nos hace ver la ilusión, tal como si el palo estuviera realmente quebrado y nosotros nos obcecáramos en insistir sobre lo contrario. Ha trasladado la ilusión óptica a la imaginación y al ojo intelectual, violentando la lógica y la pura geometría. Aunque, como he dicho, al estar dibujado, más que violentar o atentar contra lo posible, tan sólo provoca a estas ciencias absolutas. De algún modo la geometría tiene en su raíz un salvoconducto para Escher; y del mismo modo la lógica. Sino, estaríamos hablando del imposible, a sabiendas de que no puede darse en nada ni en nadie.

Al pintar lo que en modo alguno hay en la realidad, se reconoce su inexistencia, pero también se reconoce la posibilidad de concebirlo mentalmente. “Imposible”, por tanto, no quiere decir sólo que algo no se dé en la realidad, sino que tampoco ese algo es concebible. Escher, sin embargo, concibe sus figuras, y tal concepción le sirve de modelo; e incluso nosotros las concebimos al verlas, razón por la que resulta tan sorprendente. Pero, pensémoslo con calma, también es concebible un centauro o cualquier figura mitológica, la cual no nos produce la misma desesperación de lo imposible. Por el contrario, el manido concepto nada es verdadero ejemplo de lo imposible, pues ni existe, siendo (permítase la irregularidad del lenguaje) ella la auténtica negación de toda existencia, ni se concibe algo en nuestra mente al pensarla (sigue siendo irregular el lenguaje). Hasta Escher sería incapaz de dibujarnos la nada.

Entre los artistas, medios de prensa e instituciones culturales premiados en Portugal, han destacado los premios ofrecidos para el fomento  de la cooperación cultural española – portuguesa.

Espacio Niram de Madrid, lugar de encuentro entre artistas y escritores donde se organizan semanalmente exposiciones, debates, presentaciones literarias, ha sido galardonado con el Premio para Cultura. Su fundador, el artista plástico Romeo Niram ha declarado: “he vivido algunos años en Portugal y es normal que esta afinidad con la cultura portuguesa sea visible en los eventos de Espacio Niram. Portugal tiene artistas y escritores de gran nivel y es un honor para nosotros poder presentar algunos de ellos al público español.”El Director del Movimiento de Arte Contemporáneo, el crítico de arte Álvaro Lobato de Faria ha expresado su confianza en el fortalecimiento de los conocimientos culturales mutuos entre Madrid y Lisboa: “estamos unidos por lazos históricos, lingüísticos pero también culturales y artísticos.”

El escritor español Héctor Martínez Sanz, director de la Revista de Arte y Ensayo Madrid en Marco ha sido galardonado por su actividad crítica: “Dedico este Premio, recibido por un escritor español en Portugal al gran José Saramago, que pertenece a Portugal, a España, al mundo.”

El premio para periodismo y crítica ha ido al periodista Fabianni Belemuski, director de la Revista Niram Art. Licenciado en Ciencias de la Comunicación por la Universidad Complutense de Madrid, Fabianni Belemuski es autor de ensayos, críticas, estudios y ha debutado recientemente con un volumen de novela corta.

El Gran  Premio para Periodismo ha sido otorgado a Eva Defeses, directora de la Agencia de Relaciones Públicas Defeses Fine Arts, de Madrid. El director Álvaro Lobato de Faria ha subrayado la innovación en comunicación cultural que la agencia aporta al mundo de las relaciones públicas del campo cultural y artístico.

El Movimiento de Arte Contemporáneo de Lisboa fue fundado por el profesor Álvaro Lobato de Faria y se ha convertido en uno de los más importantes espacios artísticos de la capital lusa.

La Editorial Niram Art anuncia sus próximos 2 títulos. Se trata de la publicación editorial, en español, de los volúmenes individuales de los poetas y poetisas nominadas a los Premios Niram Art de Poesía 2010.

La publicación de los volúmenes es el Premio especial que la Editorial Niram Art ofrece a todos los nominados de la Sección Trofeo Niram Art Poesía.

Los primeros volúmenes serán:

Dan Coman: En los brazos de ella (nominado Niram Art)

Dan Coman - En los brazos de ella, Portada

Fotografía de portada: “Human Mannequin”
Fotógrafa: Laura Thomas
Modelo: Samantha Draven

Dan Herciu: Experimento Madrid (Trofeo Niram Art Poesía)

Dan Herciu - Experimento Madrid, Portada

Portada:  Pintura  ”Sin Título” de Javier Blázquez Murillo (Premio Niram Art Pintura)

La Editorial Niram Art está también preparando, además de los volúmenes individuales de cada poeta nominado, la aparición de un volumen colectivo con los poetas nominados: rumanos (traducidos al español)  y españoles.

Los lanzamientos de los libros en varias instituciones de Madrid y la promoción mediática estarán a cargo de la Editorial Niram Art en colaboración con Defeses Fine Arts PR Agency.

También en Bucarest tendrá lugar el segundo lanzamiento del libro, el miércoles día 26 de mayo, en la Biblioteca Metropolitana de Bucarest, en la presencia de escritores, artistas y amigos del poeta George Roca. Participarán también algunos de los entrevistados: Corneliu Leu, Cristian Negureanu, Darie Ducan, Cornel Durgheu, Alina Paraschiv, Melania Cuc, Xonia (Loredana Sachelaru) ,Victor Paraschiv.

El escritor George Roca organizará durante el mes de junio otros lanzamientos en ciudades como Oradea,Timisoara y Cluj. El libro es editado por la Editorial Anamarol.

Lanzamiento de Libro de Constantin Ciubotaru

Participan: el director de la Revista Niram Art Fabianni Belemuski, el escritor y director de la Revista Madrid en Marco Héctor Martínez Sanz, el fundador del Centro Pro-Arte Tudor Serbanescu, Ariadna Petri, fundadora del Círculo Poético RefleXos y el periodista cultural Tales Jaloretto.

http://www.espacioniram.com/documents/photoblog.php?title=lanzamiento-de-libro-%93los-securistas-fueron-extraterrestres%94-de-constantin-t.-ciubotaru&photo_id=1273762929

El espacio de arte ARTTIME organiza junto con la Galería Nicole Blanco la exposición colectiva “Artistas de Arttime”.

Exposición Colectiva ARTTIME en Espacio Niram

La inauguración tendrá lugar el 21 de mayo del 2010, a las 21:30, en Espacio Niram (Calle Independencia Nº2, 28013). La exposición reúne obras de los artistas promovidos por ARTTIME: Jimena Aragonés, María Clara Iborra, Javier Pereira, Alfonso de la Vega, Eduardo Barcía, Marta Moreu, Zora Vathke, Myriam Villarrubia.

Intervendrán: Ana Calleja, la fundadora del espacio de arte ARTTIME,  Natalia Ruíz-Poveda, la directora de contenido ARTTIME,  el galerista António Calderón de Jesús, el director de la Revista Niram Art Fabianni Belemuski, el escritor y director de la Revista Madrid en Marco Héctor Martínez Sanz, el fundador del Centro Pro-Arte Tudor Serbanescu y el periodista cultural Tales Jaloretto.

El segundo debate iniciado por el periodista cultural Tales Jaloretto en Espacio Niram (Independencia 2, 28013, Madrid) estará dedicado al artista plástico Miquel Barceló, viernes, el 7 de Mayo, a las 21 horas.

Debate Miquel Barceló

Participarán: la historiadora de arte Lara Gala, el director de la Revista Niram Art Fabianni Belemuski, el escritor y director de la Revista Madrid en Marco Héctor Martínez Sanz, el artista plástico Tudor Serbanescu, y el organizador, el periodista cultural Tales Jaloretto.